El Ruido más Postmoderno
Por Carlos E. Gutiérrez Loza
El postmodernismo como una
forma o herramienta para analizar las cosas a grandes rasgos, obviamente ha
influenciado para cambiar la forma en cómo vemos, escuchamos y sentimos el arte
en general. Ya no hay estereotipos, nada debe de ser como nos hicieron creer
que todo debía de ser, pues no hay verdades absolutas, solamente hay reglas
hechas para el beneficio de los que las crearon.
Este ya está presente en
todo rasgo cultural desde las últimas décadas, como ya había tratado de dar a
entender anteriormente, este término puede ser aplicado tanto al arte, la
filosofía, literatura y arquitectura, “refiriéndose a una gran cantidad de
ideas y tendencias culturales en lugar de un solo movimiento artístico”.
"El posmodernismo es
acostumbrarse a pensar sin moldes ni criterios" - Jean-François
Lyotard
Con
esto ya dicho, aquí voy a hablar de las constantes transformaciones que ha
“sufrido” la música con estas nuevas corrientes de pensamiento, las cuales fueron
y son bastante necesarias obviamente para seguir haciendo cosas nuevas y no
quedarnos atascados haciendo lo mismo. De esa misma idea nació el
postmodernismo, para acabar con lo establecido, enfocándose en lo
contra-cultural.
En
cuestión de música, la que puede ser más bien catalogada como postmoderna fue
una respuesta hacia la música moderna, la primera nació como una reacción hacia
los ideales y pensamientos de la segunda, y por esto la música postmoderna es
más que nada conocida como una respuesta de oposición hacia el modernismo. En
los años 60 surgieron los ejemplos más grandes de influencia postmoderna en la música clásica, esto fue con el
minimalismo. Compositores como Terry Riley, Brian Eno, Steve Reich, Philip
Glass, Karlheinz Stockhausen y entre otros, que reaccionaron ante el percibido
elitismo. Produciendo música con texturas simples y relativamente harmonías
consonantes.
Posteriormente
vino la más grande influencia de música postmodernista en la música popular
ocurrida a finales de los años 60 con la influencia del rock psicodélico y
algunos de los últimos álbumes de los Beatles.
Ya
establecido como tal, el post modernismo en la música a partir de esta época
habría de darle un giro mucho más ambicioso y enriquecedor a esta forma de
expresión artística, pues este permitió deshacernos de una sola estructura o ideología que si bien no nos permitía
lograr grandes cambios y variedades musicales. Algunos ejemplos de cómo las
estructuras y reglas musicales que había en el modernismo y conforme el post
modernismo fue ganando relevancia fueron con el comienzo del uso de más
variedad de instrumentos tanto de viento, cuerda y percusión. Pero, el cambio
más drástico e influyente hasta estos tiempos ha sido el comienzo del uso de
aparatos electrónicos, y por último pero no menos importante, tanto como el
bajo y la guitarra eléctrica. Estos nuevos instrumentos, o mejor dicho,
herramientas lograron romper con muchos de los moldes que se habían creado
anteriormente.
“Una
descripción definitiva de música post moderna
puede a veces ser retadora para los estudiosos de la música hasta cierto
punto porque muchas piezas post modernas de música pueden “pedir prestados” muchos elementos artísticos de una gran variedad de recursos o
fuentes. Algunos músicos inclusive pueden tener la meta de redefinir los
criterios en los que se le suele asignar a la música su valor artístico. Una
pieza o composición de música post moderna puede ser compuesta en muchos
estilos de culturas contrastantes. Estos también pueden tener notas mayores y
menores a la vez como letras inusuales o efectos de sonido. Los instrumentos
utilizados para esta corriente musical son bastante variados, y los músicos
post modernos muy a menudo suelen utilizar la tecnología como un medio creativo
para su música”. (www.wisegeek.com,
Angela Farrer, 2017).
Electrónica
Así
como lo menciona el fragmento que tomé prestado del artículo de internet de
Angela Farrer, la música post moderna no es algo que se caracteriza por su
sonido, al contrario de esto, lo que caracteriza a esta música es su filosofía,
y como ya antes se ha mencionado, su atrevimiento a romper los moldes y reglas
creados en el periodo moderno. Aquí también se menciona el uso de la
tecnología, y como ya se mencionó anteriormente esto le dio una infinidad de
valor a la música. Los ejemplos de esto en tiempos modernos van desde Karlheinz
Stockhausen, Tangerine Dream , Daphne Oram, Brian Eno y hasta Kraftwerk,
haciendo uso de la tecnología fueron algunos de los pioneros de la música
electrónica, género que daría hincapié a la basta variedad de sonidos
contemporáneos.
“Las
formas de arte y cultura post modernas son frecuentemente designadas como
respuestas reaccionarias a la era del modernismo que precede a los tiempos postmodernos.
Los artistas que crean con ideas postmodernas muy a menudo intentan refutar,
desacreditar, o incluso atacar el materialismo y la conformidad que han
caracterizado la era moderna” (Angela Farrer, 2017).
Estas
expresiones combativas hacia las ideas fomentadas por los tiempos modernos fueron
y son claramente necesarias. La ironía es que el postmodernismo explotó como
tal después de todas las guerras que acontecieron a la humanidad a principios
del siglo XX, la humanidad cayó en un conformismo y cotidianidad ante todo en
general, y nació este como respuesta o protesta ante estos hechos que afectaron
al mundo como nunca antes lo había hecho algún otro. Obviamente esta respuesta
y nuevas ideas trajo consigo una revolución de una forma de pensar que vemos
hasta hoy en día.
Punk Rock
Una
de estas respuestas, algo de lo que más ha influido a la humanidad hasta la
fecha ha sido el movimiento punk, que posteriormente habría de evolucionar y/o
ramificarse de muchísimas maneras.
Para
introducir:
“El
“punk” también conocido como “punk rock” es una forma de música rock qué
desembocó en un movimiento internacional (aunque predominantemente
anglo-americano) en 1975-1980. Muy a menudo politizado y lleno de energía vital
debajo de una fachada hostil y sarcástica. El punk se propagó como una
ideología y un enfoque estético, convirtiéndose así como un arquetipo de rebelión
y alienación adolescente. Después de las preocupaciones hippies, el punk fue
una celebración del urbanismo y un reclamo de las áreas centrales de las
metrópolis. Una de las bandas que crearon el movimiento punk como tal fueron
los Sex Pistols, ellos fueron “impulsados” (comercializados) por Malcolm
McLaren, quién lo hizo para promover su tienda ubicada en Londres, “Sex”, en la
que vendía ropa fetichista. Los Sex Pistols fueron anunciados por su “himno
rebelde” Anarchy in the UK (Anarquía en el Reino Unido), los Sex Pistols
establecieron el punk rock como un estilo nacional que combinó la moda confrontacional
con rock pesado, letras alusivas y socialmente conscientes que hablaban de las
bajas expectativas que había en los jóvenes de los 70s. Posteriormente el
genero fue creciendo más allá de las islas británicas, expandiéndose así por
Francia, Australia y no menos importante, los Estados Unidos, en este último
las giras de los grupos británicos como Sex Pistols y The Damned lograron
incentivar varias escenas de punk rock locales, como la de Cleveland con Pere
Ubu; Washington (con bandas de las que se hablará posteriormente dado que es un
tema central las nuevas escenas musicales y géneros nacidos a partir de este);
San Francisco (Dead Kennedys); y Los Angeles ( Black Flag). A finales de 1970,
de algún modo, el punk estaba eclipsado por la música disco en los Estados
Unidos, esto provocó que fuera un movimiento más “underground” con géneros como
el hardcore, el cual floreció de principios a mediados de 1980” (Jon Savage,
1999).
Hardcore Punk
El
hardcore punk logró consolidarse como una de las variaciones del punk rock más
rígidas y extremas del punk rock. El hardcore punk, fue primordialmente una
sensación en los Estados Unidos que tomó forma en Los Ángeles y Nueva York, con
pequeñas escenas individuales que se encontraban a lo largo de la costa este y
oeste al poco tiempo. Washington DC, Boston y San Francisco también tomaron
roles grandísimos en el crecimiento de este género. Emergiendo a principios de
los años 80, con los ideales muy firmes del punk rock tradicional. El sentido del hardcore era simple, “play it louder,
play it harder and play it faster”. La música era implacable,
las canciones eran cortas y los riffs de guitarra eran básicos, las vocales
eran muy fuertes o gritos y los discos se veían y sonaban como si fueran hechos
en el sótano de alguien. Inclusive muchos de estos lo fueron y crearon una
mentalidad “D.I.Y” (hazlo tú mismo) que fue después adoptada por el grunge y el
indie rock. Gregg Gin de Black Flag, Jello Biafra de los Dead Kennedys,
ambos Ian MacKaye y Jeff Nelson de Minor
Threat comenzaron sus propios sellos discográficos influyentes; Alternative
Tentacles, SST, y Dischord
manejaron sus propios presupuestos para poder producir sus propios sencillos y
cassettes grabados en casa. Los shows de hardcore a menudo eran promocionados
con volantes fotocopiados, fanzines, y de palabra, mediante los fanáticos
underground fueron creciendo devotos con el tiempo. Para muchos, inclusive, el
equipo hardcore era una forma de vida. Eran identificados con cabezas rapadas,
mosh pit (golpes y empujones), ideas sociopolíticas y una actitud ruda. El
hardcore siguió hasta los 90s sin nunca haber llegado a ser mainstream, quizás
uno de los pocos géneros underground que pudo mantenerse fiel a sus ideales y contra
el sistema. Posteriormente algunas bandas influenciadas por la estética
hardcore lograron el éxito y se convirtieron en estrellas de rock, como Nirvana
y Green Day. Los íconos alternativos más que nada fueron Ian McKaye, Mike Watt,
Henry Rollins, Bob Mould, y Mascis de Dinosaur Jr.
Post Punk
Como ya se ha hablado bastante del punk rock
en general. En resumen, este se quemó fuerte, se quemó por completo y se quemó
rápido, por así decirlo; con el debut de los Ramones en el 76 ellos fueron el
exponente americano que los representó (y bastante bien del otro lado del
charco). Lo que pasó de Los Sex Pistols, The Clash, Los Ramones, Buzzcocks, The
Damned, Pere Ubu, y demás fue algo llamado post punk. Este nunca recibió el
respeto que merecía o algún análisis decente. Hasta ahora, y claro que no me refiero
con este escrito. Me refiero a que con tantos intentos de revivir que ha tenido
este genero gracias a su gran influencia underground hasta la fecha sobrevive y
se mantiene influyente, tanto como para ya tener el respeto del que carecía. El
periodo de vida de las primeras olas de post punk fue enormemente influyente.
Una lista rápida de bandas que eran post punk o influyeron a este incluye a :
Talking Heads, U2, Gang of Four, Devo, The B52s, Joy Division, The Cure, Public
Image Ltd., Echo & the Bunnymen, The Specials, The Human League y un largo
etc. Si verificamos bien esta influencia y en su significado más amplio, la
primera contribución del post punk al pop fue que se negaba a utilizar las
formulas antiguas de rock ‘n’ roll que se utilizaban. Ese sonido ochentero de
sintetizadores que tanto hemos escuchado por ahí viene del post punk, así como
ese estilo angular anti blues de tocar la guitarra que ahora domina al rock ‘n’
roll (Franz Ferdinand, Motorama, Interpol, The Libertines).
El sonido era relativamente nuevo, la
actitud, mientras tanto, era muy anti hippie, anti 60s, anti amor y paz (así
como el punk lo era), pero así también el post punk estaba en contra de esa
actitud pro drogas de los 70s.”El periodo eterno del post punk luce como un
intento de virtualmente repetir cada tema modernista y técnica via el medio de
la música pop”. Las bandas “pedían prestadas” actitudes, palabras y gestos del
absurdismo, dada, Brecht, Bauhaus, y Duchamp.
Muchas de las bandas post punk tenían un gran
conocimiento e influencia de lo que fue el Krautrock (más que género fue una
escena musical de rock experimental originado en Alemania, como lo dice su
nombre ‘Kraut’ = alemán) más fanáticos del rock progresivo británico que el de
sus primos americanos. Todos estos elementos fueron casi universalmente
incorporados al post punk. Por ejemplo, los ritmos de Joy Division son
literalmente indistinguibles de Motorik y del funk ruidoso de This Heat o Rip.
Para concluir con este género las notas bajas
y el bajo volumen y ese toque
electrónico con los sintetizadores hicieron del post punk uno de los géneros
más poderosos, fáciles de amar que crearon algunas de las bandas más
influyentes de nuestra era.
Emo
La última instancia de la gran variedad de
géneros musicales que se dieron a partir del post modernismo y de este el
nacimiento del rock viene siento el muy famoso “emo” o también conocido como
“emotive hardcore” o “emocore”. El emo nació como tal en Washington DC en 1983
en el momento en que la banda Minor Threat se separó (ya antes mencionada
porque fue la banda liderada por Ian McKaye). El año siguiente una banda
llamada Rites of Spring surgió, tenía una energía punk, pero contaba con
características inusuales, esta más que nada eran las letras emocionales
(totalmente inusuales al género considerado su padre, el punk rock). Esto, para
mi hace del emo (el género proveniente del rock y del punk rock más
específicamente) –casi- más post moderno, es decir, el género más nihilista, el
que rompió todos los moldes que se hicieron a partir de los otros moldes que
fueron rotos gracias al punk rock y el rock en si. Aún así los integrantes de
las bandas pioneras del emo odiaban ser llamadas así pues “un simple acorde de
una guitarra es emocional, para empezar” (Ian McKaye, 1986).
A principios de los noventas fue cuando el
emo realmente despegó, con bandas como Indian Summer y Moss Icon que se
convirtieron en una inmensa influencia para los demás. Así mismo, una de las
bandas más famosas del rock alternativo y el padre del movimiento grunge
despegó y tuvo un hecho abrasivo dentro de los primeros lugares de la música
mainstream, vendiendo para el año 1992, 10 millones de copias en su debut.
Nirvana le dio a las disqueras y a las bandas “garage” de todos lados un sueño
de que pudieran alcanzar la fama y volverse “la gran cosa”. Después de que los
críticos estuvieran hablando de “encontrar el siguiente Nirvana”, Nirvana dejó
Sub-Pop (su sello discográfico), estos últimos siguieron buscando por algún
talento para llenar el vació de Nirvana. Estos descubrieron una banda de
Seattle llamada Sunny Day Real Estate y lanzaron su primer álbum en 1994. Fue
con este álbum precisamente que el emo comenzó a “hacer olas” fuera de la
escena hardcore.
Alrededor de los finales de los 90s las
compañías discográficas pretendieron hacer del emo un éxito comercial y lucrar
de este hasta la última gota, pero la mayoría de estas se separaban antes de
lograr algo con algún sello discográfico. Posteriormente por 1997-1998 Jimmy
Eat World y Save The Day fueron bandas que alcanzaron la notoriedad en el
“mainstream”, incluso llegando a tocar con Blink-182.
Por estos tiempos también el screamo logró
regresar a la vista (variedad del emocore caracterizada por sus gritos).
También aquí fue cuando la música logró su éxito comercial más importante fue
cuando la ropa característica del emo fue a hacerse más comercial también, el
cabello oscuro con el tupé tapando un ojo y delineador para los ojos,
pantalones entubados y Converse o Vans. Aquí fue cuando todo se volvió un
estereotipo y la burla que muchos, inclusive en México conocen, llegando a
haber casos de violencia contra grupos de jóvenes que se identificaban como
“emo” y otras llamadas “tribus urbanas” los odiaban al punto de buscarlos para
golpearlos cual película de comedia con toque de humor oscuro.
Con estos sucesos que el emo tuvo a finales
de su éxito comercial por ahí del 2006-2008 es una lástima que allá “terminado”
con tal negatividad. Más que nada al ser un género con una gran variedad
musical tanto como un espíritu y energía únicos conocidos por su parte más
underground se haya terminado con esa imagen negativa de una moda creada por
los sellos discográficos para lucrar de los adolescentes. Actualmente el género
sigue vivo, inclusive llamándole “emo revival” como si hubiera muerto y
revivido de las cenizas, cuando nunca fue así.
FUENTES DE INFORMACIÓN:
Jon Savage. (2016). Punk
History. 01/05/2017, de britannica Sitio web:
https://www.britannica.com/art/punk
Presentación:
https://www.slideshare.net/CarlosGutirrez84/el-ruido-ms-postmoderno
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